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Sep 08, 2023

Interview: Tiona Nekkia McClodden über Breathing und ihre Basel Show

Die in Philadelphia lebende Tiona Nekkia McClodden gehört zu den heute am meisten beobachteten Künstlerinnen, sie hat den Bucksbaum Award der Whitney Biennale 2019 gewonnen und war in mehreren bedeutenden Werken zu sehen

Die in Philadelphia lebende Tiona Nekkia McClodden gehört zu den heute am meisten beobachteten Künstlerinnen, sie hat den Bucksbaum Award der Whitney Biennale 2019 gewonnen und war in mehreren großen Ausstellungen vertreten, darunter „The Condition of Being Addressable“ im Institute of Contemporary Art, Los Angeles (im Jahr 2022), „Grief and Grievance: Art and Mourning in America“ im New Museum (2021) und „Speech/Acts“ am Institute of Contemporary Art, Philadelphia (2017).

Letzten Monat eröffnete sie ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Europa in der Kunsthalle Basel. Die ergreifende und schöne Ausstellung erstreckt sich über die zweite Etage der Schweizer Institution und ist auf drei Räume verteilt. Im ersten Raum befinden sich mehrere Haupttore, die zur Kontrolle der Viehbewegungen verwendet werden, sowie Lederriemen mit eingeprägten kurzen Sätzen. In der Mitte des Raumes befindet sich ein Kompressor, der in bestimmten Abständen Luft zischt. Weiter unten in der Ausstellung sind fast ausschließlich schwarze Gemälde mit elegant gebundenen Seilen zu sehen, die auf japanische Fesselpraktiken verweisen, sowie zwei Videoarbeiten von McClodden.

Um mehr über die Ausstellung zu erfahren, die bis zum 23. August läuft, sprach ARTnews kurz nach der Ausstellungseröffnung am 26. Mai mit McClodden by Zoom.

Dieses Gespräch wurde aus Gründen der Übersichtlichkeit bearbeitet und gekürzt.

ARTnews: Wie begann das Gespräch für Ihre aktuelle Ausstellung in der Kunsthalle Basel mit Elena Filipovic, der Direktorin der Kunsthalle?

Tiona Nekkia McClodden: Es ist tatsächlich eine sehr seltsame Erzählung. Elena hat sich letztes Jahr mit mir in Verbindung gesetzt, weil sie daran interessiert war, mit mir über meine Arbeit zu sprechen, und weil sie meine Aktivitäten verfolgt hatte. Ich denke, der Anstoß kam von meinem Stück [Achaba de Ogún, 2022], das letztes Jahr im Parcours war. Eigentlich konnte sie es nicht sehen, aber sie kam nach New York. Der Tag, an dem wir uns trafen, war genau der Tag, an dem ich mich um eine Reparatur meiner Arbeit im MoMA kümmerte [The Brad Johnson Tape, X – On Subjugation, 2017]. Wir gingen nach oben ins Café und unterhielten uns etwa eine Stunde lang über die Arbeit. Später bot sie mir eine Einzelausstellung an.

Wie kamen Sie auf die Idee, darüber nachzudenken, was Sie für die Show tun möchten?

Die Kunsthalle Basel ist hinsichtlich ihrer Architektur so legendär. Kunsthallen haben im Allgemeinen eine andere Atmosphäre. Ich hatte dort letztes Jahr bei einem früheren Besuch in Basel und dann bei einem weiteren Rundgang einige Zeit dort verbracht, um meinen Standort für den Parcours auszuwählen. Ich bewunderte die Architektur und das natürliche Licht im zweiten Stock, wo die Ausstellung stattfindet, und was das für die Arbeit bedeuten könnte, für die ich mich entschieden habe. Die Idee entstand, als ich viel über diese Geräte nachdachte – ehrlich gesagt über die Geste eines Drosselventils, da es etwas ist, das eine Richtung ändern oder den Luft- oder Flüssigkeitsstrom stoppen kann. Ich war daran interessiert, über die Architektur des Raums nachzudenken und darüber, wie man eine Ausstellung rund um dieses Konzept choreografieren könnte. Ich hatte Elena gesagt, dass ich daran interessiert sei, mehr über das Haupttor des Viehrutschenstalls nachzudenken, diese Idee zu vertiefen und über Vorstellungen von Gnade, Kontrolle und Fluss nachzudenken. Einige der ausgestellten Werke stammen aus früheren Studien, wurden jedoch in einer gezielteren Darstellung oder Auseinandersetzung mit diesen Ideen von Barmherzigkeit, Absicht und Kontrolle ausgeführt.

Die große Enthüllung in der Show befasst sich mit meiner Schlafapnoe, die schon lange in der Planung der Show auftrat. Ich habe diese Diagnose vor etwa zwei Monaten bekommen. Ich habe bereits über den Fluss der Luftkontrolle nachgedacht, also hat die Diagnose etwas anderes in die Show gebracht, das dieses Interesse geweckt hat, das die Grenze zwischen Einwilligung und Nicht-Einwilligung bewegt. Meine eigene Interaktion mit dieser Störung ist ähnlich: Ich atme gut, wenn ich wach bin, aber wenn ich schlafe, kann ich plötzlich nicht mehr atmen. Und dann muss ich dieses Gerät benutzen, das an diesen Ort der Kontrolle eintritt und meinen Atem vermittelt. Es ist seltsam für mich.

Sie haben Spannung, Kontrolle und Barmherzigkeit als Ideen erwähnt, die Sie bei der Erstellung dieser Arbeiten und während Ihrer gesamten Praxis durchdenken. Warum halten Sie das für wichtig und eine Überlegung wert für Sie als Künstler?

Ich denke, es ist ein Geschenk, als Künstler darüber nachdenken zu können. Es wird einfach als Mensch vererbt – oder als Mensch, der ich bin, das sage ich gerne. Oder sogar als eine bestimmte Person, die eine Schnittstelle von Identitäten besetzt und letztendlich – ob ich will oder nicht – zu einer repräsentativen Figur wird. Die Dinge, die ich am Ende betrachte, und die Kritik, die ich einbringen kann, und warum dies in diese Arbeiten und die Arbeiten, die ich gemacht habe, einfließt, sind für mich in gewisser Weise eine Möglichkeit, über eine Reihe von Ideen zu sprechen Das fühlt sich für mich angenehm an und fühlt sich, ehrlich gesagt, nicht reaktiv oder gar ausgelöst an, sondern einfach nur ein Schub. Es ist eine sehr tiefgründige Art und Weise, eine Aussage oder eine Kritik zu einem bestimmten Moment in meinem Leben, einem Moment in der Gesellschaft oder einem Moment in dieser Idee der Kunstgeschichte, die noch geschrieben wird, abzugeben.

Im Vorfeld dieser Arbeit sagte ich den Leuten: „Ich bin nicht gerade jemand, der aufgefordert wird, seine Meinung zu den meisten Dingen einzuholen, die mich auf dieser Welt betreffen.“ Und für mich ist die Kunst, insbesondere diese Begriffe von Barmherzigkeit, Kontrolle, Bedrohung, Verlangen, Zustimmung/Nicht-Zustimmung, sie alle an einem Ort zusammenzufassen, etwas, worüber mir die Leute in einem größeren Raum niemals den Raum geben würden, darüber zu sprechen. Es gibt all diese anderen Leute, die als Experten gelten und dazu neigen, über diese Dinge zu sprechen. Wenn ich mir viele dieser harten Punkte oder Ideen ansehe, versuche ich auf meine Weise zu sagen, dass ich aufgrund meiner gelebten Erfahrung ein Experte dafür bin, wie sich diese Dinge auf mich auswirken. Ich kann auch einen objektiven Raum finden, um herauszufinden, wie ich sie verteilen oder abstrahieren kann, sodass sie zu etwas werden können, dem andere Menschen etwas Zeit widmen. Aber ich möchte nicht vor dem Gedanken zurückschrecken, dass ich das Gefühl habe, dass es hier um mich geht. Ich versuche nicht, daraus ein hyperaktives Gespräch über unterschiedliche Erfahrungen zu machen. Es ist ein Produkt davon, wer ich jetzt auf dieser Welt bin.

Richtig, das bist duEs geht nicht unbedingt darum, etwas zu schaffen, das universell ist oder die Vorstellungen einer universellen Erfahrung berühren kann.

So fange ich nicht an. Ich weiß, dass es so ist, und ich sehe darin vielleicht einen Erfolg. Sie möchten, dass jeder seinen Platz hat. Aber ich denke, es ist wichtig zu beachten, dass ich versuche, in meiner eigenen Erfahrung zu beginnen. Man hat mir bereits viel vorgeworfen, weil ich dachte, ich versuche, für [andere] zu sprechen oder eine Art Predigt zu halten. In dieser Arbeit gibt es keine Antwort. Du wirst es hier nicht finden, weil ich es nicht gefunden habe. Es ist eine endlose Frage.

Was glauben Sie, wenn Menschen zu Ihrer Arbeit kommen? Was hoffen Sie, dass sie mit nach Hause gehen?

Etwas, das man nur schwer abschütteln kann. Das ist alles, was ich einschätzen kann, weil ich Dinge einstellen möchte, die ich nur schwer abschütteln kann. Aufgrund der Entfernung hat diese Show etwas ganz anderes und spezifisches bewirkt. Ich mache das alles in Philly. Ich erinnere mich an einen Raum, obwohl ich den Grundriss habe und [das Team der Kunsthalle Basel] Bilder und Videos machen lasse, damit ich den Raum im Kopf behalten kann. Aber ich war nicht in der Lage, hineinzugehen und den Raum eins zu eins zuzuordnen. Als ich die Objekte nach Übersee transportierte und sie dort in ihrer brutalen Form vor dieser eleganten Architektur platzierte, bekam ich zum ersten Mal einen Eindruck davon, wie sie auf jemanden wirken können, denn sie mussten erneut auf mich wirken.

Ich befand mich in so unmittelbarer Nähe zu den Haupttoren meines Studios, dass ich nicht die volle Kraft und die verschiedenen Möglichkeiten sah, die man einschlagen konnte, wenn man sie betrachtete. Ich fand sie [hier] außergewöhnlich schön. In meinem Studio waren sie sehr furchteinflößend. Ihre Gewalt aus der Sicht einer menschlichen Figur hat etwas sehr seltsam Romantisches. Es macht mir nichts aus, wenn Leute diese Dinge schön finden. Ich hoffe auch, dass sie sie ein wenig furchterregend finden, denn das gibt es immer noch. Das ist etwas, worüber ich mir Gedanken gemacht habe – der ästhetische Wert, der darin besteht, sie in diesem Raum zu sehen. Ich interessiere mich für Schönheit. Als ich diese Show verließ, dachte ich, ich hätte ein Faible für Schönheit, auch wenn sie so hartnäckig sein kann.

Ist Schönheit etwas, woran die Leute vielleicht nicht unbedingt denken, wenn sie es tun?Sehen Sie Ihre Arbeit?

Oh ja. Manchmal denken die Leute, ich versuche, einen Thriller zu machen. [Lacht.] Aber es liegt mir wirklich am Herzen, etwas Elegantes zu präsentieren, weil ich finde, dass diese Räume elegant sind. Sogar in Dungeons – denen, mit denen ich mich am liebsten beschäftigt habe – gibt es etwas, das funktional und geordnet ist, und dort muss etwas Erwünschtes vorhanden sein. Deshalb interessiere ich mich für die Schönheit, Eleganz und das Verlangen dieser Objekte. Aber manchmal denken die Leute, ich versuche ihnen nur mit etwas Stumpfem den Kopf abzuschlagen. Ich denke, dass ich das mit dem konzeptionellen Rahmen mache.

Glauben Sie, dass der Kontext der Ausstellung in Basel die Präsentation der Ausstellung beeinflusst?

Basel hat zudem eine echte Landnähe und viele Menschen aus der Umgebung auf Bauernhöfen. Ich konnte in Echtzeit Feedback von Leuten erhalten, die wussten, was diese Head-Gate-Geräte sind.

Ja, das ist ein völlig anderes Publikum als beispielsweise das, das Ihre Shows in New York gesehen hat.

Ja, sie wussten nicht, was zum Teufel es war. Für die New Yorker war es viel dramatischer, weil sie noch nie eine Viehrutsche gesehen hatten, während ich aus dem Süden komme. Ich bin damit aufgewachsen, es zu sehen.

Welche Bedeutung hat der Titel der Ausstellung: „DIE POETIK DER SCHÖNHEIT WIRD UNVERMEIDLICH ZU DEN GRÖSSTEN BITTEN UND ANDEREN WILES ZUGRIFFEN, UM IHRE FREIGABE ZU SICHERN“?

Der Titel stammt aus dem Gedicht „On Subjugation“ von Brad Johnson aus dem Jahr 1988, mit dem ich mich seit vielen Jahren beschäftige. Ich betrachte dies als eine Erweiterung des Brad Johnson-Universums, so wie Marvel das Marvel Cinematic Universe hat. Das kommt daher, dass ich diesen Text studiert habe und dass ich noch etwas tun wollte, von dem ich glaubte, dass ich es umsetzen könnte. Dies war immer eine Zeile, die in diesem Text am meisten hervorstach. Als ich das las, stand es für sich. Wenn ich herausfinden könnte, wie ich Material in Bezug auf diese Sprache sinnvoll gestalten kann, würde ich mich in meiner Praxis erfolgreich fühlen. Ich wusste, dass ich das den Haupttoren zuordnen wollte, weil ich denke, dass ihre Struktur und Form mit der seltsamen Idee zu tun haben, auf „andere Tricks“ zurückzugreifen, um freizukommen. Es gab einige wörtliche Aspekte. Ich ließ zu, dass dieser Text mich dazu drängte, meine eigene Sprache zu sprechen.

Ich habe eine Sprache, die auf diesen Lederriemen zu sehen ist, die an der Wand zwischen diesen Haupttoren hängen. Sie alle stammen von diesem Original-Riemen, in den ich diesen Text, diesen genauen Auszug aus diesem Gedicht im Jahr 2017, eingraviert habe. Es ist der Original-Riemen, den ich in der Arbeit, die jetzt im MoMA zu sehen ist, an meiner Brust trage, wo ich an meinem aufgehängt bin Füße lesen. Die ursprüngliche Funktion dieses Riemens bestand darin, mir jederzeit meine Atmung bewusst zu machen und eine Vorstellung von der Spannung im Zusammenhang mit den verschiedenen Gefühlsveränderungen beim Atmen und deren Auswirkungen auf den Körper zu bekommen. Dieser Riemen in dieser Sprache bildet also das Gehirn für diese gesamte Show. Als es wieder soweit war, war ich erschüttert von der Tatsache, dass ich eine Konfrontation mit meiner eigenen Atmung hatte. Dieses Stück hat für mich immer noch ein gewisses Gewicht und verfolgt mich. Ich versuche, etwas tiefer zu graben. Wenn es diese vollkommene Romanze gibt, die ich mit dem größeren Text habe, dann ist diese Zeile das Herzstück davon. Dies ist ein Zitat.

Sie haben das erwähnt, obwohl die Werke neu sindT In gewisser Weise handelt es sich dabei um Studien für frühere Werke, und natürlich hatte Brad Johnson einen großen Einfluss. Können Sie etwas näher erläutern, in welchem ​​Zusammenhang sie mit früheren Werken stehen?

In meiner Ausstellung „Hold on, let me take the security off“ aus dem Jahr 2019 [in der Company Gallery in New York] hatte ich „The Full Severity of Compassion“, also den vollen Viehstall in der Mitte des Raumes. Die meisten Menschen wissen nicht, dass der Kopf ein Teil ist, der vom Viehstall abgenommen werden kann. Das ist etwas, das immer modifiziert und ausgewechselt wird, weil es auf der Rutsche am schnellsten verschleißt.

Worauf ich dort achten wollte, ist der Mechanismus, der die Seite der Kuh zusammendrückt. Mein ursprüngliches Engagement für diese Show bestand darin, mich an diesem Gespräch darüber zu beteiligen, wie dieser Viehstall für mich zu einer psychologischen Landschaft im Zusammenhang mit meiner ASD, der Autismus-Spektrum-Störung, wird. (Zur Erinnerung an die Show von 2019 können Sie sich meine Website ansehen.) Ich habe ausführlich darüber geschrieben, was diese Viehrutsche für mich bedeutet und wie sie bei diesem schmalen Grat der Gewalt eine falsche Vorstellung von Sicherheit schafft. Das gesamte Gerät sorgt für eine beruhigende Wirkung auf das Tier, sodass es entweder geimpft, versorgt oder getötet werden kann. Ich fand das eine tiefgreifende Aussage.

Bei der Konzentration auf das Haupttor kommt es auf die Kontrolle an. Die Haupttore haben alle Spitzen, die ich als Biegung bezeichnen würde, was eine Vorstellung von Gnade suggeriert. Bei dieser Biegung handelt es sich nur um eine leichte Biegung, die darauf hindeutet, dass dort der Hals des Tieres gehalten wird. Diese Idee der Barmherzigkeit ist der einzige Grund, warum die Haupttore in der Show wegen dieser Biegung existieren, oder in einem Fall wegen des Fehlens dieser Biegung. Jedes repräsentiert verschiedene Ebenen der Barmherzigkeit. Das wurde für mich zu etwas, worüber ich nachdenken und darüber sprechen konnte, was Barmherzigkeit ist. Barmherzigkeit muss gegeben werden – man bekommt sie nicht selbst. Gnade muss von einer dominanten Person gegeben werden, die die Kontrolle hat. Wie existiert Barmherzigkeit in diesen Objekten? Wie kann in diesen Mitteln Barmherzigkeit bestehen – selbst in dieser absurden Falschheit? Wenn man sie betrachtet, sieht man, wie groß es ist. Es soll die Person, die dieses Ding zieht, dazu veranlassen, anzuhalten. Ich fand, dass dies das Element war, auf das ich mich konzentrieren und dann herausfinden wollte, wie ich es in all diesen verschiedenen Objekten verteilen konnte.

Was ist sonst noch Teil der Ausstellung?

Um in den nächsten Raum zu gehen, habe ich die Ledergemälde mit Kinbaku- oder Shibari-Seil-Bondage-Krawatten darauf. Diese stehen im direkten Gespräch mit den Haupttoren, gehen aber mehr in eine physische, körperliche Interaktion ein, indem sie über unseren Wunsch nachdenken, etwas länger zu halten, als wir sollten. Beim japanischen Seil-Bondage gibt es einen Zeitrahmen, weil es sich um einen Menschen handelt, der nicht länger als 30–40 Minuten in Dingen wie Fesseln gefesselt bleiben kann. Wenn sie es tun, werden sie blaue Flecken bekommen; Sie werden die Zirkulation unterbrechen; du wirst sie töten. Mein Wunsch für die Bilder war es, durch die Schaffung derselben Bindung etwas Profanes zu schaffen. Die Gemälde darunter sind so gestaltet, dass sie den Eindruck eines Blutergusses vermitteln. Da ist dieses Rot und Blau darunter, das Sie sehen, wenn Sie im Raum sind, um anzuzeigen, dass die Zeit überschritten ist. Sie sind mir gegenüber sehr gewalttätig. Sie sind sehr verführerisch und handeln von einem wahren menschlichen Verlangen. Die Serie trägt den Titel „Never Let Me Go“ und jedes von ihnen hat seinen eigenen Namen, während die Haupttore den Titel „A Mercy I–IV“ tragen.

Verglichen mit den Riemen aus dieser Originalshow konzentrieren sich diese Lederriemen mit der Sprache auf mich und versuchen, mehr Konversation zu schaffen, die sich zu einer Aktion eignet. Es gibt ein Video, das zeigt, wie ich diese um meinen Körper wickle und miteinander verbinde, was meine eigene Atmung und die Fähigkeit, wie viel Luft ich in meinen Körper bringen kann, beeinflusst. Ich wollte das zurückbringen, weil die Arbeit im MoMA die letzte dieser anderen Auftritte ist. Mein einziges Interesse an der Lektüre von Brad Johnsons Werk bestand darin, mich mit meinem Körper auseinanderzusetzen, und zwar aufgrund meines Verständnisses der damaligen Zeit der Poesie, in der viele Dichter ihren Körper als Gedicht betrachteten, Gedichte als Körper. Dies ist die direkteste Aktion, die ich je gemacht habe, bei der ich im wahrsten Sinne des Wortes Sprache auf meinen Körper lege und mich mit Sprache auseinandersetze, die so einengend und dominant ist. Die Einbettungen an den Trägern sind in allen Größen. Es ist eine sehr brutale Sprache, aber auch eine üppige und romantische Sprache. Dies ist meine Wiedergabe des Gedichts; Ich sage nichts, aber das Gedicht selbst ist in Aktion.

Was ist ein Beispiel für einen Wortlaut auf einem der neuen Armbänder?

Einer davon ist „WEEP AT THE MERCY OF DESIRE“. Ein anderer ist der Titel „DIE POETIK DER SCHÖNHEIT …“ Ein anderer ist „ICH BIN DER DRUCK SELBST“. Einer, der mir sehr am Herzen liegt, lautet: „Ein einziger Moment der Unaufmerksamkeit und ich vergesse zu atmen.“

Wow, das trifft auf jeden Fall.

Ja, es hat zu hart getroffen, besonders mit der Apnoe-Diagnose. Das letzte Zimmer ist ein Video von mir beim Schlafen. Es dient nicht einmal als Porträt, weil ich versuche, mir selbst einen Sinn zu geben. Als ich es drehte, war es das erste Mal, dass ich Schwierigkeiten hatte zu atmen. Ich hatte das, was die Leute beobachtet hatten, noch nie gesehen. Nachts höre ich siebenmal pro Stunde auf zu atmen. Das Video ist 20 Minuten lang. Mein Arzt hat geschätzt, wie lange es dauert, bis ich tief schlafe. Mein CPAP-Gerät wird von meinem Arzt gesteuert; Mein Arzt kann kontrollieren, wie viel Luft in mich hineingedrückt wird, wenn ich schlafen gehe. Nachdem ich die Maske aufgesetzt und hingelegt habe, drückt sie, wenn sie etwa 20 Minuten erreicht und das Gerät anzeigt, wann ich einzuschlafen beginne, mehr Luft hinein, um sicherzustellen, dass ich nicht aufhöre zu atmen. Im Video können Sie sehen, wie es zu sogenannten „Ereignissen“ kommt, bei denen ich aufhöre zu atmen und die Maschine meine Atmung korrigiert.

Im Hauptraum der Ausstellung steht ein Luftkompressor. Dieses Gerät ist eine Vorahnung. Es ist ein Geräusch, das sieben Mal pro Stunde Luft freisetzt, man hört also einfach diese Luft im Raum. Es füllt sich mit einem Timer von selbst. Das Schöne an der Kunsthalle ist, dass die Räume in einer Sackgasse enden, sodass man die Räume, die man zuerst gesehen hat, wieder verlassen muss. Ich möchte versuchen, diesen Moment zu schaffen, in dem die Leute den Sound und die Szene, die ich für sie eingerichtet habe, überdenken.

Früher, Sie haben die Architektur der Kunsthalle erwähnt. Ist dasWie interagiert die Ausstellung nur mit der Architektur des Gebäudes?

Ich habe auch auf das natürliche Licht reagiert. Alle Handtore werden von mir in meinem Atelier in natürlichem Licht bemalt. Als ich in der Kunsthalle ankam, konnte ich hineingehen und es im Raum malen, um den Lichtfluss auf den Werken zu korrigieren. Die Farbstoffe in dieser Mischung erzeugen die Illusion von Schwarz, aber in Wirklichkeit ist es eine dunkle, bläuliche Farbe. Ich identifiziere mich nicht als Maler, aber ich betrachte diese Ausstellung – sie enthält auch ein skulpturales Element – ​​als Thema der Malerei. Für mich sind die Haupttore Gemälde. Ich habe diese Matte erstellt und es gibt eine Möglichkeit, wie sich die Farbtöne des Schwarz ändern. Ich denke, dass Malerei für mich etwas mit Intimität zu tun hat. Und deshalb verwende ich es fast skulptural. Das Gemälde macht etwas Skulpturales und wie es etwas sehr Hartes mildern kann.

Die Anpassung an die Beleuchtung zeigt definitiv, dass man sich um die Farbe, die Texturen und Modalitäten der Farbe kümmert.

Ich war jeden Tag dort, weil es so cool war, herauszufinden, welche Wirkung dieser Lichtton im Laufe des Tages hat. Aufgrund dieser Geste, das Licht zu korrigieren, fühlte ich mich einem Maler näher als jemals zuvor. Ich habe es. Ich verstehe es jetzt. Ich wollte mehr von meiner Hand sehen und konnte dies in Echtzeit erreichen.